Conflicto Humanidad y ambiente

”Primero, fue necesario civilizar al hombre en su relación con el hombre. Ahora, es necesario civilizar al hombre en su relación con la naturaleza y los animales”.  Esta frase de Victor Hugo  describe el trabajo de la escultora Kate Macdowell, quien mediante sus esculturas intenta expresar el constante conflicto entre el hombre y la naturaleza.

La contaminación cumple un ciclo en el medio ambiente y como una especie de Karma, el desarrollo de cosas que nos hacen sentir cómodos repercute sobre nosotros en forma de cambios climáticos y desastres ambientales; el objetivo de las esculturas de Kate es comentar nuestra falta de interés respecto a la contaminación y nuestros irónicos actos sobre el medio ambiente.
Según Kate la porcelana es el material perfecto para sus esculturas ya que la luminosidad, fragilidad y su aspecto fantasmagórico describen esta difícil situación. La temática y su delicado trabajo  hacen que Kate sea una escultora de la que querrán seguir viendo más.

Matt Adnate: Retratos en Los muros

 Matt Adnate es un artista australiano miembro de la Awol Crew que integra sus obras a muros y otras superficies de una manera muy especial. Para Matt el Grafitti es como la pintura rupestre: " Si el arte callejero no hubiera existido, nunca se sabría que estas personas existieron."

 La peculiar forma de Matt de ver el arte callejero se ve reflejado en sus obras que en su mayoría son retratos de personas que ha fotografiado, Matt no solo pinta sobre los muros sino que integra sus obras a las condiciones de la pared dándole un toque orgánico y singular. Sin duda las obras de Matt son una mezcla de arte y cultura que vale la pena observar y conservar

 

Kina Crow: Liberando la imaginación

Al ver las esculturas de Kina Crow, se puede observar algo especial en ellas, algo que talvez no entendamos pero seguro tiene una muy buena historia:

  La historia de Kina comienza a los 6 años cuando rayaba las paredes de su casa, sin embargo eso no le agradaba mucho a su madre, así que Kina decidió disfrutar de la necesidad de expresar visualmente su mente inquieta en privado.

 Cuando era adolescente empezó a trabajar en una productora de televisión y películas, en dónde expresaba su creatividad ayudando a  los actores a crear sus personajes y ropa. Kina trabajó muchos años en la productora, pero su mente inquieta seguía latiendo por la necesidad de expresarse.

  A la edad de 30 años por fin la niña dentro de ella dejó surgir sus locas y fantásticas ideas obligándola a crear personajes que nacen de sus sueños y expresan su verdad.

Desde entonces Kina ha dejado fluir sus ideas en forma de esculturas que han invadido las más prestigiosas exhibiciones y han calmado sus ansias de expresar.

El Patito de Hule

 "El pato de hule no discrimina, no conoce fronteras ni políticas. Es suave, amigable y apto para todas las edades". Así describe Florentijn Hofman su proyecto Rubber Duck o Pato de hule, el cual se encuentra flotando desde 2007 en ciudades como Sao Paulo, Sidney y Hong Kong.

 El Holandés Florentijn Hofman es conocido por sus esculturas gigantes y tiernas pero su proyecto "Rubber Duck"es tal vez su trabajo más mencionado, Desde su primera exhibición a reunido a miles de espectadores y muchas actividades culturales  se llevan a cabo a su alrededor.

El Pato de hule es un símbolo de la infancia y desentona con el ambiente de la ciudad, sin duda hace que niños y grandes  se olviden de todo y sonrían por un rato.

Banksy: Identidad oculta

Al final de la década de los 80, el aerosol se populariza en Inglaterra y con él surge una ola de artistas que hacen de los muros sus lienzos y de las calles sus galerías. Es ahí en dónde surge Banksy un artista del que muchos hablan pero pocos conocen.

Las obras de Banksy  empiezan a llamar la atención en 1,992 pero es hasta el año 2000 cuando se organiza su primera exposición, sin embargo el artista no estuvo presente. Desde entonces Banksy ha plasmado sus obras en ciudades de todo el mundo sin que nadie conozca su identidad.

Sus obras destacan por su estilo fuerte y callejero combinado con sátiras políticas, de cultura pop y moralidad. Su misteriosa identidad junto a su gran estilo han llevado a subastar sus obras por hasta 700,000 euros.

Para muchos una leyenda, para otros un vago y mal artista. Ustedes que opinan?

Taxidermia humana

Joseph Seigethaler es un escultor estadounidense que se ha hecho reconocer por sus esculturas un tanto bizarras, como las de su serie noggins o cabezas, en la cual cabezas de seres humanos inusuales emergen de paredes en blanco como si se tratara de una colección de un taxidermista humano o de pacientes traspasando las paredes de un hospital psiquiátrico.

 

 

 

Muchas veces en el arte podemos encontrar cosas bizarras que pretenden ser arte pero solamente se quedan en bizarras, las esculturas de Joseph demuestran que no solamente se trata de pensar en cosas extrañas sino de transmitir sentimientos y sus esculturas definitivamente lo hacen, ustedes que opinan ¿arte o bizarro?

Cow Parade: arte con corazón vacuno

Cow Parade es una exposición de arte publica en dónde artistas locales son invitados a expresar todo lo que quieran sobre una vaca en blanco, posteriormente se puede observar una invasión vacuna en las calles y plazas del lugar que dura alrededor de tres meses, los fondos recaudados son destinados a fundaciones para niños enfermos.

Desde su  inició en 1999 en Chicago,  Cow Parade ha reunido más de 300 millones de espectadores en 32 países y 75 ciudades, 10,000 artistas y más de 5,000 vacas, lo que hace de Cow Parade el evento artístico más grande del mundo.

Muchas ciudades alrededor del mundo han recibido este evento entre las que podemos mencionar Milán, Dublín, Sidney, Lima y San José. Me encantaría ver este evento en Guatemala y se que a muchos artistas locales les gustaría pintar sobre una vaca así que espero que a alguien le interese y podamos disfrutar de una brillante invasión vacuna.

Lo esencial es invisible para los ojos

Mientras estudiaba licenciatura en artes plásticas, Fernanda Fierro utilizaba el transporte urbano para llegar a su destino, el camino era aburrido y no muy agradable hasta que abordaban lo cantantes, payasos y vendedores los cuales le alegraban el viaje a Fernanda.

Durante un intercambio en Veracruz en una clase de proyectos artísticos, Fernanda recordó su aburrido viaje diario en autobús, así que decidió darle un toque artístico al interior de estos: "Lo esencial es invisible para los ojos", un proyecto en dónde Fernanda retomó las bases del muralismo, el arte urbano y su libro favorito El Principito. 

Uno de principales temores de Fernanda era el vandalismo, ya que antes de instalar los cuadros observó que el techo estaba rayado y quemado por encendedores, sin embargo el proyecto fue bien aceptado y hasta la fecha continúan intactos, como dice Fernanda:

 " realmente es molesto que los artistas aún mantienen el tabú de decir que las personas no comprenden el arte, yo por mi parte digo que los artistas debemos acercarnos a ellos, tal vez no conozcan mucho sobre historia del arte pero si aprecian e imaginan"

Angie chung: Dos manos, Dos culturas

Cuando Angie Viajó de Korea a  Guatemala, se enteró que había nacido siendo zurda pero por cuestiones culturales la educaron para usar su mano derecha, al poco tiempo Angie se dio cuenta que no solo podía usar su mano izquierda sino que podía dibujar con ambas al mismo tiempo.

 

 

Desde entonces Angie ha sido reconocida por sus increíbles retratos ambidiestros así como  por sus interesantes pinturas narrativas que unen elementos de la cultura koreana y guatemalteca.

Para Angie, Guatemala fue el país que liberó su mano izquierda, en dónde las barreras del idioma la llevaron a una introspección que desarrolló su arte al máximo y en dónde fusionó dos grandes culturas que hacen de su arte algo innovador, lleno de cultura y sobre todo pasión.

Graffiti en la oscuridad

La noche cae y  muchos misterios se ocultan en la oscuridad, las calles se ven diferentes, la gente cambia y algo en la parada de autobús no es igual.

Inspirado en la novela El Dr. Jekyll y el señor Hyde, DC Gecko, un grafitero español, encontró la forma de que sus obras no fueran eliminadas de las calles. Utilizando una técnica que no conocemos, Gecko usa como lienzo los anuncios en las paradas de autobuses creando obras que solo pueden visualizarse durante la noche.

Los mensajes son generalmente opuestos a los que se ven durante el día o simplemente muestran el lado oscuro de estos. Sin duda DC Gecko es un artista  que le da un toque diferente al graffiti con una inspiración, utilidad, mensaje y resultados increíbles.

El cirujano de libros

Brian Dettmer, es un artista contemporáneo nacido en Chicago (1974), que actualmente vive y  trabaja en Atlanta, Georgia. Es conocido por transformar libros y otros medios de comunicación antiguos, en detalladas e innovadoras esculturas.

Utilizando cuchillos, pinzas y herramientas quirúrgicas, Brian esculpe meticulosamente una página a la vez, sin quitar o reemplazar el contenido, trabajando con la organización interna de cada libro; como si se tratara de su losa de mármol, con maravillas por descubrir en su interior. Sus obras han sido expuestas en varias galerías todo los EE.UU., América Latina, Europa, Australia y Asia.

Este cirujano de libros, crea obras de arte alucinantes, que requieren de una técnica y paciencia extrema, con un resultado que seguramente los dejara asombrados.

Vía FM

Danielle Reck: Esqueletos y retratos

Retratos de grandes ojos, cráneos, animales y plumas son los elementos favoritos  la australiana Danielle Reck, como ella misma lo describe, todos se juntan para crear personajes únicos y misteriosos. 

Danielle Reck se sintió atraída desde pequeña por las artes y se desarrolló como diseñadora de joyas, diez años después, Danielle decidió iniciarse en la ilustración la cual considera su más grande pasión.

La mezcla de texturas, el tono natural de los trazos con destellos de color y los intrigantes personajes, hacen de Danielle una artista única de la que todos  pueden inspirarse.

Patrones y colores con Mel Kadel

Patrones, colores, tranquilidad y desasosiego son unas de las palabras usadas para describir a Mel Kadel, una ilustradora estadounidense con uno de los estilos más sólidos que he visto. Aunque usa siempre los mismos elementos (flores, gotas, mujeres), Mel los combina y los ubica de formas diferentes para crear increíbles ilustraciones que transmiten diferentes sentimientos.

Me encanta el estilo suave, relajado y en ocasiones desgarrado, es como si todo se acomodara para expresar una emoción. Sin duda Mel kadel es una ilustradora intrigante e inconfundible de la que querrán ver más.